Sono nato a Singapore nel 1964, ho vissuto e lavorato a Londra per oltre trent’anni e attualmente vivo a Berlino. Quello che vi presento è il mio archivio della flora dei parchi, giardini e spazi verdi comuni della capitale tedesca. Non definisco il mio lavoro come paesaggistico, urbano, sociale o naturalistico, perché tutte queste definizioni potrebbero essere ugualmente pertinenti. Si tratta di immagini contemplative, in cui il soggetto principale è spesso una singola forma o pianta nell’insieme della composizione. Chi già ha potuto vederle, le ha descritte come “micropaesaggi”. A me piace molto l’espressione “ritratti floreali spavaldi”. Lascio volentieri ad altri il compito di definirle. Per me sono meditazioni. La realizzazione di queste immagini ha avuto un enorme beneficio sul mio benessere emotivo.
Voglio che lo spettatore sia consapevole del fatto che io mi trovi a mio agio sia nel realizzare queste immagini a colori sia in bianco e nero. Sono le diverse condizioni meteorologiche a suggerire quale sarà l’immagine finale. A colori, adoro l’impatto dell’illuminazione del flash sul soggetto, che crea un effetto simile a quello dei film Technicolor saturi tanto amati negli anni ‘40 e ‘50. Il bianco e nero lascia un’atmosfera che ricorda American Night. Se il colore è giusto, è lussuoso come un arazzo, il bianco e nero è bello come una poesia. Questo è ciò che cerco.
Come artista che utilizza l’obiettivo, fotografo la flora urbana e sono diventato silenziosamente ossessionato dal legame tra piante e fotografia. La fotografia è un mezzo di luce? È un fatto molto semplice: senza luce, né le piante né la fotografia esisterebbero. Entrambe sono letteralmente fatte di luce. Dipendiamo dalla luce e dalla flora per la nostra stessa esistenza. Le piante ci parlano della nostra mortalità. Trovo questo aspetto molto commovente.
Realizzo i miei lavori migliori quando sono a casa. Raramente quando sono in viaggio, perché a mio avviso perderebbero il senso essenziale di intimità. Fotografo ciò che mi è più familiare, tornando spesso sugli stessi soggetti anno dopo anno, stagione dopo stagione. Fotografo la cultura che conosco. La mia impronta di carbonio è minima nella realizzazione di questi lavori, normalmente raggiungo i luoghi a piedi o in bicicletta, e solo se indispensabile, l’autobus o il treno. Le mie foto sono realizzate con la minima post-elaborazione al computer. Mi piace molto la sfida di realizzarle con la macchina fotografica. Amo il formato quadrato e la simbologia che sottende. I quattro lati riecheggiano nella storia dell’arte. Terra, Aria, Fuoco, Acqua. Nord, Sud, Est, Ovest. Primavera, Estate, Autunno, Inverno. La Terra stessa racchiusa nel cerchio universale.
È lo storico dell’arte che fa capolino nella realizzazione di queste immagini. L’esperienza mi ha insegnato a riflettere su quanto il mondo dell’arte abbia fatto affidamento sulle scienze botaniche. Pigmenti, carta, tele, cornici, matite, carboncini. Architettura. Dettagli architettonici, templi classici in pietra costruiti a imitazione dei loro predecessori in legno. Piante come soggetti di mosaici, tappeti, arazzi, vasi. Decorazioni floreali come affreschi, carta da parati, piante in vaso. Sono gli abiti che indossiamo e il cibo che mangiamo. Un albero fa parte della narrazione del peccato originale. La figura di Cristo è crocifissa sull’albero del giardino dell’Eden, da cui viene consumato il frutto proibito. Sant’Elena era alla ricerca della vera Croce. Il Buddha meditava sotto un albero. La mia famiglia ha un albero genealogico. Mentre scrivo sono seduto su una sedia di legno, un cimelio di famiglia. Dove saremmo senza l’impenetrabile siepe delle fiabe dei Grimm o dei miti greci?
Avrete notato leggendo questo articolo che preferisco il termine “creare” piuttosto che “prendere”. Preferisco pensare a queste immagini come a dei quadri piuttosto che a degli scatti. Si tratta di un modo molto personale di usare il linguaggio, ma io sono un creatore e “prendere” e “scattare” semplicemente non funzionano per me. Preferisco un vocabolario radicato nelle arti visive. Questo non è un progetto fotografico, ma un processo che sto portando avanti. Non so quando finirò, né se finirò mai. È un viaggio. Ecco perché ho chiamato “Terra Incognita” le mostre personali che ho tenuto finora. Lo sto scoprendo per la prima volta. Mi trovo dove letteralmente migliaia di persone prima di me si sono trovate. Guardo in basso, guardo in alto. Questo è ciò che vedo. Non c’è nulla di originale in questo. Solo guardare. Penso che sia davvero importante ricordare che molte delle piante che fotografo sono specie rifugiate o aliene rispetto al luogo in cui ora crescono. Rose, girasoli, carciofi, papaveri, peonie: nessuna di queste è originaria di Berlino. Sono state tutte introdotte da altre parti del mondo. Ora hanno messo radici. Fanno parte del nostro tessuto sociale. Dove sarebbe un poeta senza una rosa?
La fotografia può essere davvero profondamente bella. Può essere davvero noiosa. Dovrebbe essere stimolante. Mi interessano la bellezza e la sfida. Ho le mie aspettative su come queste immagini dovrebbero essere percepite. Realizzare questi lavori è stata un’esperienza formativa. Continuo a imparare cose sul nostro ambiente, sul mio ruolo nel distruggerlo o preservarlo. Apprezzo particolarmente l’aiuto e l’incoraggiamento che ho ricevuto da giardinieri, botanici e scienziati che si occupano di piante, che mi hanno aperto gli occhi su ciò che sto guardando. Il loro insegnamento è stato per me una gioia, a loro un doveroso grazie. Infine, vorrei precisare che non pretendo alcuna originalità nel vedere ciò che viene trascurato. Sono un uomo paziente, ma mi infastidisce molto quando qualcuno mi dice: “Nessun altro lo vede?”. Tutti vediamo ciò che fotografo. Tutti notiamo ciò che è il mio soggetto. Una verità che sono pronto ad ammettere è che non avrei notato allo stesso modo questi incredibili componimenti teatrali floreali se non mi fossi fermato a fotografarli. La macchina fotografica mi ha insegnato a guardare. L’apprendimento permanente è arrivato insieme ad essa. Voglio condividerli con voi. Li faccio per me stesso.
Grant Simon Rogers.
Berlino, 2026
A cura di Roberto Besana – testo e fotografie di Grant Simon Rogers
Immagine in copertina: Goats Beard & Larks Tongue. Giugno 2022, Berlino
Tecnica fotografica utilizzata da Grant Simon Rogers per questo lavoro:
Utilizzo una piccola fotocamera con obiettivo fisso e un flash esterno montato su un braccio telescopico. Aziono la fotocamera con una mano, fissandola con un cinturino da polso, mentre con l’altra reggo il flash. Prima di scattare una foto, osservo il soggetto. Cerco forme, texture, passaggi. Considero la formazione delle nuvole oltre il mio soggetto principale. Sono noto per aspettare fino a trenta minuti affinché le nuvole si allineino perfettamente. Fotografo direttamente verso la luce, con la luce alle mie spalle, il che può fare una grande differenza nel risultato finale, poiché si tratta di foto scattate alla luce del giorno. La loro realizzazione è davvero molto semplice. Le mie fotografie sono immagini diurne sottoesposte. Ogni foto viene poi illuminata nuovamente con un flash esterno alla fotocamera. Per chiunque sia interessato al lato tecnico della mia fotografia, una foto tipica ha impostazioni della fotocamera simili a queste: Apertura ƒ11; Velocità dell’otturatore @1/1000, ISO: 100-200.
Sono alla luce del giorno, ma sembrano di notte. Notte americana. Il risultato che cerco è il dramma. Sono costantemente alla ricerca del bello e del teatrale. Sono affascinato dalla complessità delle texture che esistono all’interno di una pianta e cerco motivi, texture, ritmi e passaggi all’interno della composizione. L’illuminazione aiuta in questo senso con un chiaroscuro sgargiante che ammiro molto nella cosiddetta arte occidentale. Sono anche influenzato dai motivi e dalle forme dell’arte persiana, giapponese e di altre arti asiatiche e arti applicate.
Mi emoziono molto quando capisco che sarà un’immagine forte. Chiamo queste foto “Printers”. Non creo decine di migliaia di file, penso in termini di 10-12 fotogrammi per soggetto. Potrei stamparne solo questo numero all’anno. La stampa è costosa e avrei il problema dello spazio per conservarle. Quando stampo le opere, spesso sono di circa un metro quadrato. Una dimensione media che, secondo me, conferisce a queste opere presenza e accessibilità per qualsiasi spettatore come opera d’arte finita. Le mie foto sono realizzate con il minimo indispensabile di post-elaborazione al computer. Mi piace molto la sfida di realizzare le mie foto con la macchina fotografica. L’unico vero cambiamento che apporto è il ritaglio quadrato. Adoro il formato quadrato e la relazione di questo simbolo a quattro lati. Terra, Aria, Fuoco, Acqua. Nord, Sud, Est, Ovest. Primavera, Estate, Autunno, Inverno. Questo come un viaggio. Per questo motivo ho chiamato le mostre personali che ho tenuto finora TERRA INCOGNITA (Terra sconosciuta). La sto scoprendo per la prima volta. Mi trovo dove letteralmente migliaia di persone prima di me si sono trovate. Guardo in basso, guardo in alto. Questo è ciò che vedo. Non c’è nulla di particolarmente originale in questo. Solo guardare.
Faccio il mio lavoro migliore quando sono a casa. Mai quando sono in viaggio. Le foto di viaggio perdono un senso essenziale di intimità. Fotografo ciò che mi è familiare. La cultura che conosco. La mia impronta di carbonio è minima nella realizzazione di questi lavori, ma è necessario usare l’autobus o la ferrovia quando scatto queste foto. Il più delle volte vado in bicicletta.
